Retrato de Fedele Fenaroli. Vía Wikimedia Commons (dominio público).
Entre 1650 y 1800, en Nápoles, cuatro orfanatos produjeron a la mayor parte de los compositores de Europa. Santa Maria di Loreto, Sant’Onofrio a Capuana, la Pietà dei Turchini, los Poveri di Gesù Cristo. De esas salas salen Pergolesi, Piccinni, Paisiello, Cimarosa, Zingarelli, y de Zingarelli sale Bellini. Ninguno de ellos, en diez años de internado, abrió nunca un manual de armonía. Los manuales de armonía todavía no existían.
Lo que tenían en lugar de manuales se llama partimento. Es una sola línea de música, el bajo, escrita en un solo pentagrama, a veces con números encima y a veces sin nada. El chico se sienta al clave y de esa línea saca una pieza entera, con las voces, las imitaciones, las cadencias en su sitio. No la escribe: la toca. La pieza existe solo mientras la está haciendo, y la prueba de que la ha aprendido es que al día siguiente la hará distinta.
La diferencia con el modo en que se enseña hoy es total, y conviene decirla en términos prácticos. Un curso moderno de armonía parte de una regla general y luego la aplica: el grado, la función, la resolución. El partimento parte de lo contrario, es decir, de una situación física de las manos. El bajo sube un tono, entonces encima ocurre esto. El bajo desciende una quinta, entonces ocurre esto otro. El bajo se queda quieto, entonces ocurre esto otro todavía. Son fórmulas de movimiento, no conceptos, y los napolitanos las llamaban los movimientos del bajo.
La estructura portante de todo el edificio es la regla de la octava: una escala, ocho notas en el bajo, y para cada una de las ocho un acorde establecido. Quien sabía eso sabía armonizar cualquier cosa que se moviera por grados conjuntos, que en la música del siglo XVIII es la mayor parte. Apareció impresa en Francia, en un tratado para guitarra de François Campion de 1716, pero en Nápoles se enseñaba de maestro a aprendiz desde antes y sin libro.
Los materiales sobreviven, y son miles de hojas. Las colecciones de Francesco Durante, que enseñó durante décadas y que es el verdadero arquitecto de este método, incluyen partimenti cifrados, partimenti diminuidos en los que el propio bajo se pone a correr, y partimenti fugados, es decir, fugas enteras que hay que reconstruir a partir de la sola voz grave. Fedele Fenaroli, que fue alumno de Durante, publicó en 1775 sus reglas, y ese librito siguió en uso en los conservatorios italianos hasta bien entrado el siglo XIX.
Junto al partimento estaba el solfeo, que entonces no quería decir leer las notas en voz alta. Quería decir cantar una melodía escrita expresamente sobre un bajo que el maestro realizaba al clave, y los solfeos napolitanos son composiciones de verdad, a menudo bellísimas, construidas para que pasaran a la garganta del chico las mismas fórmulas que las manos estaban aprendiendo en el teclado. El método funcionaba porque llegaba por dos caminos a la vez.
Luego estaba el tiempo, y el tiempo es la parte que hoy ninguna institución podría permitirse. Un chico entraba a los ocho o diez años y se quedaba diez años. Dormía allí, comía allí, estudiaba, cantaba en la iglesia para pagarse el internado, y mientras tanto enseñaba a los más pequeños, porque el sistema se sostenía sobre los mastricelli, los alumnos mayores que daban clase a los nuevos. Cuando salía tenía a sus espaldas unos miles de horas de composición hecha con las manos, y ningún examen escrito.
La consecuencia se nota. La velocidad con que estos compositores escribían no es una anécdota sobre el genio, es un efecto técnico: tenían en los dedos un repertorio de soluciones ya montadas, y al componer no decidían nota por nota, elegían entre esquemas que conocían desde los diez años. Cimarosa y Paisiello entregaban óperas en pocas semanas porque su formación se había construido para eso.
El método murió en el siglo XIX, y no por una razón musical. Murió cuando los conservatorios se convirtieron en escuelas con clases, horarios, asignaturas separadas y programas ministeriales, es decir, cuando armonía, contrapunto y composición se convirtieron en tres cursos distintos impartidos por tres personas distintas. El partimento era exactamente lo contrario: una sola cosa, hecha sentado al instrumento.
Desde hace unos veinte años la investigación lo ha vuelto a poner en circulación. Robert Gjerdingen ha reconstruido sus modelos en Music in the Galant Style, publicado en 2007, y Giorgio Sanguinetti publicó en 2012 The Art of Partimento, que es hoy el libro de referencia. En los conservatorios italianos el partimento ha vuelto a algún programa, como asignatura. Es decir, de nuevo, como curso.