Del violonchelo dice que puede hacerlo todo: cantar, llorar, reír, gritar. Y además, sobre todo, hablar. Giovanni Sollima, palermitano, nacido en 1962, lo ha llevado al Sáhara, bajo el agua y dentro de un bloque de hielo, que bajo el peso de cuatro cuerdas no se derrite: estalla. Toca un Ruggieri construido en Cremona en 1679 y lo ve como una barca que viaja en el tiempo y en el espacio. El oficio lo aprendió en casa, de su padre Eliodoro, compositor: primero las reglas, luego la libertad de librarse de ellas. En marzo de 2012, en el Teatro Valle ocupado, convocó con Enrico Melozzi los primeros 100 Cellos, y hace diez años apadrinó a la Orchestra Notturna Clandestina. El domingo 15 de noviembre, a las 20:00, está en la Sala Santa Cecilia para The Classical Rave Party. Qué tocará, aún no lo sabe. Quizá sea una sorpresa.
En marzo de 2012, en el Teatro Valle ocupado, tú y Enrico convocasteis a los violonchelistas con el boca a boca en las redes sociales: tres días de ensayos, luego un teatro lleno. ¿Qué recuerdas del primer instante en que oíste sonar juntos todos esos instrumentos?
No había particellas, ni siquiera impresora. Recuerdo una improvisación libre y potente, que te llegaba a las entrañas.
En los 100 Cellos se sientan en el mismo escenario solistas, estudiantes y aficionados. ¿Cómo se encuentra un sonido común cuando junto a un profesional hay alguien que lleva dos años con el arco en la mano?
Es el amor.
Tocas un violonchelo de Francesco Ruggieri construido en Cremona en 1679. ¿Qué te ha enseñado un instrumento que tiene casi trescientos cincuenta años, y qué crees haberle enseñado tú?
Es un poco como si me hubiera señalado la presencia de un repertorio olvidado y escondido, que va de finales del siglo XVII a principios del XIX. Los eslabones perdidos. No sé si le he enseñado algo, pero desde luego lo percibo como una barca hermosísima que viaja en el tiempo y en el espacio y, junto conmigo, intercepta todo tipo de sonidos de distintas partes del mundo, también el imaginario. ¡Así que sí, es moderno!
Para N-Ice Cello tocaste el violonchelo de hielo de Tim Linhart. ¿Cómo cambia el gesto cuando el instrumento se derrite bajo los dedos y cada nota lo consume un poco?
Cambia muchísimo. El peso, la respiración, que puede perturbar al propio hielo, los tiempos de acción y reacción, más lentos, más suaves, redondos. Es una dimensión casi chamánica. Y más que derretirse, si se forma una grieta, estalla bajo el peso de cuatro cuerdas.
Estudiaste composición con tu padre Eliodoro. ¿Qué es lo que aprendiste del oficio en casa y que ningún conservatorio te habría dado?
Las reglas, y librarme de ellas inmediatamente después. Y afrontar todo tipo de música sin cerrazón, improvisación incluida. Papá me enseñó también a «ver» la música, a percibir su componente visual, o visionario.
Has contado que el mercado te hace sentir en casa, en Palermo como en Estambul o en Sídney. ¿Qué voces de la calle han acabado de verdad en tus partituras, y cómo las transcribiste?
Todas. Y sigue siendo así.
En 1993 escribiste un Requiem por las víctimas de la mafia. ¿Qué puede hacer una música sin palabras ante una herida cívica, y qué no puede hacer?
Las palabras pueden tener el límite de la retórica. La música es un gesto, un surco. Inequívoco y potente.
En 2013 y 2014 dirigiste la Notte della Taranta, ante una plaza que baila. ¿Qué te enseñó la pizzica sobre el ritmo y sobre el cuerpo de quien escucha, y qué te has llevado de ella a la música escrita?
Todavía la tengo pegada al cuerpo, después de tantos años. Poner en notación la música popular es casi siempre una experiencia difícil, y lo he hecho en otras ocasiones, en los lugares más dispares, de los Balcanes a Australia. En realidad hay que sintetizar, con una notación clara y sencilla, porque los datos son muchos: el sistema interválico, el ritmo, el texto, las partes improvisadas, las estrofas, los versos, los bordones o los esquemas armónicos. Y todo en un par de pentagramas. He trabajado también en los arreglos, nunca vinculantes ni rígidos, abiertos a revisiones, a intervenciones improvisadas y a lo que haga falta. En su día, anotando y archivando, escribí una especie de «Salento Book» con doscientas piezas, quizá más, y nunca lo he publicado. Parece un mapa: se nota de verdad qué ha traído el Adriático, desde Albania, desde Grecia, desde Sicilia, y qué ha traído el Jónico.
Has tocado en el Carnegie Hall y en la Knitting Factory. ¿Qué diferencia hay, para las manos y para la respiración, entre un público sentado en silencio y otro que bebe, habla y se mueve?
Amo el público que vive la música sin rigidez, o sea el que bebe, habla y se mueve. Pero en realidad no tengo problemas con ninguno de los dos, y mi público, ahora lo he entendido, es una síntesis perfecta de ambos. Cuando toco las Suites de Bach, entre quienes escuchan encuentro también a metaleros.
Tus músicas han pasado por las manos de Yo-Yo Ma y por la voz de Patti Smith. ¿Ha habido alguna interpretación que te hiciera descubrir en tu pieza algo que no sabías haber puesto en ella?
Digamos que descubro nuevos indicios cada vez, incluso cuando la música la toco yo. Desde luego, hace muchos años me sorprendió, felizmente, la clave de lectura que Riccardo Muti dio de una larga pieza mía titulada Passiuni.
En Turín, en Tucídides, Atenas contra Melos, los cien violonchelos se convertían en tambores de guerra. Cuando el violonchelo deja de cantar y se vuelve percusión, ¿qué le ocurre a su carácter?
El violonchelo puede evocarlo todo de verdad. Sensual, delicado, percusivo, intenso, distorsionado, rockero. Canta, llora, ríe, grita. Habla.
Desde 2010 enseñas en la Accademia di Santa Cecilia. En un joven violonchelista, ¿qué corriges primero: la técnica, la postura o el miedo?
El miedo, si lo hay. Luego intento entender su cifra, su verdadera voz. Y también sus deseos. En eso trabajo.
Clásica, rock y músicas del Mediterráneo conviven en tu trabajo desde siempre. ¿Sigue existiendo la frontera entre música culta y popular, o ha quedado solo en los programas de mano y en las taquillas?
Ha quedado en la cabeza de quien no ha entendido, o tiene miedo. Las taquillas van más adelantadas, el público todavía más. Pero yo ya no hablo de ello. Hablaba hace treinta años, y ahora me parece ridículo seguir razonándolo. Hago y punto. Quizá lo demuestran mis programas, que además no son tan nuevos.
El 15 de noviembre estarás en la Sala Santa Cecilia con la Orchestra Notturna Clandestina. ¿Qué tocarás, y qué esperas de una sala de conciertos que por una noche se convierte en un rave?
Espero un evento sano y liberador, como siempre ha sido. Bauticé a la Clandestina hace diez años, y de aquel directo increíble nació también un disco. Siempre hacen falta veladas así, y aquí enlazo con la pregunta de antes. Qué tocaré no lo sé todavía. Quizá sea una sorpresa.
¿Hay algo que quieras decir y que no te hayamos preguntado?
¿Cómo estás?
The Classical Rave Party, domingo 15 de noviembre de 2026 a las 20:00, Sala Santa Cecilia, Auditorium Parco della Musica, Roma. Romaeuropa Festival.